chris4summerblue

把自拍变成作品?你没有听错

RumYu.Saunato:

 作为每天从醒来到睡去的第一件与最后一件事,我们看了太多胖友圈的自拍照,除了知道屏幕上是个人之外,大多鼻子看不出是鼻子,眼睛看不出是眼睛。


      我们先看图,不然没图我说个毛呢。


      海量美图,搭配wifi食用更佳哟!



      手举闪光灯,咔嚓一张,逼格炸裂的自拍。


      这张照片太有名,拍摄于瑞士马特洪峰。



      穿上道具服,爬上山坡,遥控快门来一发。(我一度以为这站了个巫婆)



      爬到石头上来一发,脚受不了。


      举起闪光灯来一张。


      和女票一起来一张。


      举着灯演绎一个新版星空武士。


      和最爱的极光一起合个影。


       和爱人在星空下相视来一发。


      那么,能够拍出这么好看的自拍照片有哪些干货摄影技巧呢,让老于来告诉你吧!




1


装备的装备




      首先第一步:装备的装备。




      夜景需要什么呢?当然是三脚架啦。


      那么一根三脚架就成了必不可少的,可以选择的很多,小到几百块大到好几万的都有。那么对于我们自拍用户而言呢,其实几百块的就足够了。


      比如思锐百诺等国产品牌的质量也是杠杠的。




      其次呢,因为是自拍,所以我们最好准备一个遥控快门。这个东西也是很便宜的啦,而且还非常方便,当然几乎所有相机呢都是有定时快门功能的(包括手机)。只是这个会比较麻烦,因为当设定了时间之后还得跑到预定机位,会比较辛苦。



      当然,由于自拍我们不太方便精确的看见取景范围(5D4啊大法啊这种可以连手机实时取景的就当我没说)


      那么我们就尽量选择广角镜头作为主力镜头咯。这样给予我们二次构图的空间会多很多(二次构图是什么?就是剪裁呀)


      广角镜头还有一个作用,什么作用?那就是让腿变长呀!



      既然都说了是夜景咯,而又是自拍,我们总得把自己打亮吧?那么我们可以根据预算进行选择,最便宜的呢当然是头灯咯。



      其次呢,就是专业用家的最爱,闪光灯(最好能配上一根断掉的灯架)可以逆光,可以照亮自己,还可以防止因为曝光时间过长而导致自己虚掉。


2


拍摄技巧


1、尽量用广角:


      为什么呢?因为刚刚我在前面有说到,自拍的时候我们对画面的构图只能是大概预估。难以做到完全精确,而广角恰恰可以让我们有较大的容错率。同时也为后期时进行二次剪裁提供了更多的机会。




      再者,合理的利用广角畸变可以拉高我们的身高。同时也能制造更强的视觉冲击力;同时能有更好的画面纵深感,很好的引导我们的视觉。




      还有就是,夜晚拍摄,尤其是星空人像。星空是我们的主角之一,广角镜头能收纳更多的天空进入画面。也就让我们能拍摄到更多的星空。



      比如这样的云,在头顶好似黑云压城。




2、尽量用脚架,即使是便携小脚架。


      拍摄夜景人像就需要使用长时间曝光功能,而放在地上又难以保证我们构图的精准。脚架的作用是让我们在拍摄的时候尽量做到画面工正。这样就为后期省区了很多麻烦。




3、参数


      这个应该也是不少人最关心的一个问题,我们以星空500法则为例;我们的安全快门速度约为:500/135画幅相机等效焦距;以14mm为例。500/14,我们的安全快门时间就需要小余35s。


      在这里推荐大家一个软件可以准确的查看各种摄影信息,那就是planit


      而参数呢,一般光圈越大的镜头我们所需的曝光时间就越短,ISO就越低;反之亦然。


      以1.4光圈为例:


      25s,1.4,ISO600-800


      25s,1.8,  ISO1000左右


      25s, 2,   ISO1200-1600


      25s,2.8  ISO 1600-2000


      25s,4    ISO 3200-6400




      为什么我们的ISO是浮动的呢?因为根据我们拍摄时的不同的环境光也会对画面带来不同程度的影响。这里只是为了让大家有这个概念。


      但是这里有一个特殊情况,那就是极光。因为极光的瞬时亮度会非常高,所以曝光时间其实并不需要那么长。




4、关于人造光源的应用


      大家最关心的应该就是这个部分。一般情况下呢用头灯拍摄,可以用作补光或者就是一个画面的点睛。



      例如这张图就是运用了头灯作为点睛之笔。


      而我更加推荐的呢,其实是闪光灯。这才是真正的夜景自拍神器级装备


      1)由于在夜景拍摄中,我们多半在使用长时间曝光功能,我们就不需要使用闪光灯的同步引闪功能(在曝光时间内,任何时候我们都可以使用闪光灯)


      2)记住将闪光灯设置为M档(手动档)根据具体环境光来设置我们的闪光灯输出量。




     举个荔枝,当光源离我们的相机比较远的时候。



      如图,人和光源离相机较远。加之广角镜头的视差,感觉更远。


      闪光灯的输出量一般设置为:1-1/4



      


      而当闪光灯离相机很近的时候。闪光灯的输出量约为:1/8-1/32。根据不同情况而定。




      3)记住不要用闪光灯直射镜头,任何强光源都不要直射镜头!不然画面会变的惨不忍睹。




      4)那么我们在不把闪光灯放到相机顶上的时候如何让闪光灯闪呢?


       那就是离机引闪


      离机引闪可以买引闪器(别买原厂,完全没性价比),也可以是按闪光灯上的测试按钮(一般会写Test,或者有个红色小灯)就可以解决这个问题了。




      酱~有了这些技能,自拍照就不再是简单的自拍照了,甚至都能称为作品了。这样的自拍照,轻松冲出朋友圈走向更广阔的舞台的节奏。





      自拍,是我们诸多生活方式里,与他人分享的一部分。


      或欢笑,或皱眉,或悲伤,或呲牙咧嘴,或许你在自拍里看不出岁月的暗纹,估不出岁数大小,看不出丰满消瘦,看不出佝偻阑珊。


      但请你将最美的自己,送给我们,送给你自己。



学会后期调色,从认识颜色开始

学习

Thomas看看世界:

要真正弄懂调色,首先要理解RGB、CMYK、HSL、互补色等等色彩基础理论。


几乎所有的后期调色工具,都是建立在这些色彩模型之上的。



1. RGB vs CMYK


没有光线就没有色彩。而在自然界中,我们一共可以看到两种类型的光线。


第一种是物体自身发出光线,比如灯泡、显示器、电视等等。中学的时候我们学过三棱镜的实验。自然界中的白光并不是单色光,用棱镜色散之后会看到组成白光的多种色光。


白色光线是由这些五彩光线相加形成的。所以这些自发光的物体,对应的是加色模型



第二种是物体反射的光线,比如颜料、涂料、印刷品等等。


这些物体吸收了一部分光线,而反射剩下的一些光线,从而显示出不同的色彩。因此这些反射出来的颜色,则对应了减色模型。



无论是哪种色彩模型,首先我们都要定义一个概念,叫做“原色”。原色,是不能通过其他颜色,混合而得出的“基本色”。


在加色模型中,一共有红(R)、绿(G)、蓝(B)三原色。而红绿蓝三原色两两混合,可以形成黄、青、品三种二次色。继续混合,则能调出各种各样的色彩。



可以想象上面一张照片,是一个黑色的显示器。首先我在显示器上显示一个红色圆形,然后再在显示器上显示一个蓝色圆形,你会发现红、蓝重合的地方,混合形成了品红色。


如果我再显示一个绿色圆圈。你会看到红绿混合形成黄色,绿蓝混合形成青色。而红绿蓝全部重合的地方,则发出了纯白色光。


与加色模型不同,在减色模型中,三原色变成了青(C)、品(M)、黄(Y)。



我们可以想象上面一张图是一张白纸。首先我们用黄色颜料画一个圆,再用青色颜料画一个圆,你会看到黄青混合出了绿色。


如果我们再用品红色颜料画个圆,就可以看到黄品混合而成的红色,以及青品混合而成的蓝色。而青品黄全部混合在一起,则变成了黑色。


在大规模打印中,青品黄颜料混合成的黑色并不够纯黑,而且成本太高。因此印刷机还有专门的黑色(K)墨水。CMYK中的最后一个K,就是指的这个黑色。



2 互补色与相邻色

无论是RGB,还是CMY,虽然他们的原色不同。但是色彩之间的混合关系却是相同的,比如绿色和红色,混合出来的都是黄色。


我们把RGBCMY一起画在下面的照片中,可以发现一些有趣的色彩关系。(下面这张图非常重要,最好能熟练记住。)



我们把一种颜色相邻的两种颜色,叫做的他的相邻色。如上图所示,青色的相邻色,是绿色和蓝色。绿色的相邻色,是黄色和青色。


而一种颜色对面的颜色,叫做他的互补色。比如红色的互补色是青色,绿色的互补色是品色。


相邻色和互补色,是我们调色的一个重要依据。


我们要增加一种颜色,一共有两种方式:一是增加他的相邻色,二是减少他的互补色。


比如我们要增加红色,既可以同时增加他的相邻色黄色和品色,也可以减少他的互补色青色。我们可以使用Photoshop里的可选颜色工具:



我们可以把可选颜色的“洋红”和“黄色”滑块往右移。洋红和黄色混合形成红色(红色的相邻色是洋红和黄色),所以同时增加洋红、黄色,也就是增加了红色。



我们也可以把青色滑块往左移。由于青色和红色是互补色,所以减青就是加红,同样增加了照片中的红色。



相邻色和互补色的概念是很多PS调色工具的基石。除了可选颜色工具,色彩平衡工具也是一样。青红、品绿、黄蓝三组互补色的调整滑块一字排开,任何色彩都可以调出来。



如果把三组互补色滑块,精简到两组,就变成了白平衡调整里的色温色调工具。


色温滑块右移加黄,左移减黄(加蓝)。色调滑块右移加品红,左移减品(加绿)。


那么问题来了,如何用色温色调滑块让照片偏红、偏青呢?


很简单,红色的相邻色是黄色和品色。所以色温色调同时右移,加黄加品,也就是加红。


青色和相邻色是蓝色和绿色,把色温色调滑块一起左移,就可以让照片偏青啦。



理解了RGBCMY的相邻色、互补色关系,很多复杂的调色问题都迎刃而解。


比如下面一个S型的红色通道曲线,高光加红,阴影减红。因此调出来的照片,高光偏红,阴影偏青(红色互补色)。



总而言之,下面这幅图,RGBCMY(红绿蓝青品黄)六种颜色的关系,一定要记牢了,很多调色难题都会迎刃而解。


3 HSL色彩空间

RGB模型对人类而言并不直观,比如我说一种颜色是由60%红,30%绿和90%蓝组成的,你应该很难想象出来,这到底是哪种颜色?


因此人们设计出了HSL色彩空间,来更加直观的表达颜色。HSL是色相(Hue)、饱和度(Saturation)和亮度(Lightness)这三个颜色属性的简称。


色相(Hue)是色彩的基本属性,就是人们平常所说的颜色名称,如紫色、青色、品红等等。我们可以在一个圆环上表示出所有的色相。



色环上的0度、120度、240度位置,分别对应了RGB模型的红、绿、蓝三原色。原色两两混合形成了二次色。比如黄色(60度)就是由红色和绿色混合而成;蓝色和绿色则相加形成青色(180度);品红(300度)则由红蓝两色组成。


原色和二次色之间,还有各种丰富的复色色相过渡,比如270度的紫色介于品红和蓝色之间。30度的橙色则是由红色黄色混合而成。


饱和度(Saturation)是指色彩的纯度,饱和度越高色彩越纯越浓,饱和度越低则色彩变灰变淡。



亮度(Lightness)指的是色彩的明暗程度,亮度值越高,色彩越白,亮度越低,色彩越黑。



我们把色相(Hue)、饱和度(Saturation)和亮度(Lightness)三个属性整合到一个圆柱中,就形成了HSL色彩空间模型。


HSL圆柱中的任意一个点,都对应了一种颜色。圆环上的度数代表了颜色的色相,离中轴的距离代表了颜色的饱和度,点的高度则对应了颜色的亮度。



在ACR(以及Lightroom)中,第4个调整面板 - HSL面板,就是基于HSL色彩空间的后期调色工具。关于HSL工具的详细教程,可以参考《学会调色,从理解HSL面板开始


总结

1. 色彩因光线而存在。发光物体对应加色模型,三原色是RGB红绿蓝。反光物体对应减色模型,三原色是CMY青品黄。


2. 红青、蓝黄、绿品是三组互补色。要增加一种颜色,可以同时增加他的相邻色,或者减少他的互补色。


3. 色相(H)、饱和度(S)和亮度(L)是颜色的三个基本属性。




欢迎关注@Thomas看看世界,


每周学会一个摄影技能。



本文内容,节选自我的课程《Lightroom 后期调色》。


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https://www.zhihu.com/lives/817367916214390784

从糖水到大片--谈摄影师的内涵建设

摄影精选:

Terry F:








追求有多大,目标就应该有多远




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本文只是希望能帮助一部分人突破瓶颈。




对于优秀的糖水摄影师来说,我绝无意冒犯,因为摄影需要你们。




可能有人会说,“ 我觉得我能拍糖水就足够了”。那么请在此打住,因为下面的文字不仅浪费您的时间,而且可能会引起您对我的误解。 








 1. 你一定会拍的糖水片




那么什么是糖水呢?顾名思义:好喝,会腻。




糖水片可以是人像




  作者:李小蕾 




可以是风景




  作者:陈曦Stanley




也可以是纪实




  作者:墨迹 




总而言之,糖水就是那些画面好看,但是缺乏观念、思想上的表达或者注重形式而忽略内涵的照片。




譬如下面这张我一直以来都很喜欢的糖水




  作者:李小蕾 




不论是色彩还是反差,都特别养眼,模特也非常优秀,在当前的摄影潮流中,算是非常出色的人像作品。




还有这一张照片。




  作者:牛牛很忙 




牛牛很忙本身具备一定艺术素养和绘画功底。他拍摄的糖水人像同样优秀,基本具备了摄影中大部分流行元素:明亮通透的画面,好看的模特,大光圈,温和的色调,亲切的构图等等。








那么问题来了...




你在浏览这些糖水作品的时候,脑子里在想什么呢?




A. 如果给我这样的妹子,我也可以拍出来




B. 光圈、快门、iso参数是多少啊?




C. 怎么调小清新色调?




D. 我也想拍这样让妹子喜欢的片子




E. Prprprpr








对于这些问题,其实只要你愿意花几个月来钻研学习,然后想办法约到优质的模特,也能在同样的条件下达到类似效果的。这样的案例不少见了。所以你理当对此充满信心。




(请注意,这里说的是达到类似效果,因为优秀的糖水摄影师所具备的色感,视角以及基本功可能是常人难以达到的,这也是他们出类拔萃之处)




然而糖水片作为摄影圈的流行音乐,生命力都相对比较短暂。譬如说让我们来看看十年前(2006年)国内优秀的糖水作品是什么样的吧。




  作者:herro




以当时的眼光来看,这一定是一幅非常出色的糖水(发表在蜂鸟人像精华区),使用了一些有趣的前期后期的技巧。然而十年过去了,你还会觉得它和当年一样光彩夺目么?




(此处绝无贬低图片作者水准之意)




糖水就是这样,谁都可以泡糖水,但时间会冲淡它的甜味。








 2. 你不一定会拍的大片




或许有一天,你无意间看到了下面这张一点儿也不甜的图。




 作者:Peppe Tambè








不经意间,你产生了新的思考:




A. 这张图真有趣,它想表达什么?




B. 虽然不明白含义,但我还想了解更多




C. 它激发了我的灵感




D. 它跟我想的一模一样!




E. Prprprpr








然而,不论你的选择如何,不论时代如何变迁,也不论摄影和后期技术如何发展,这张照片里面所包含的观念和对观众的提问永远会在不同时期的观众身上引起思考或共鸣,而每个时代的观众都会根据自己的经验对其产生新的理解。(但如果两道题都选了E,那么可能你真的需要一个看得见摸得着的女朋友了)




对比一下两组由不同画面引发的问题吧,我想大家也不难发现,艺术能够激发观众的潜能和探索欲望,而糖水只能让人关注表面现象。




  




很遗憾地说,糖水在摄影的历史中很难有一席之地。








 3. 你缺的不是技术




(我最近越来越不愿意写技术类的教程了,原因也是如此)




阻隔你和大片之间的瓶颈到底是什么呢?这里不妨从一个大家熟悉的现象谈起:




可能会有这样一种摄影师,擅长拍摄某一种风格也仅擅长这一风格,倘若换了题材或者领域就立刻水准大跌。




这种现象在人像摄影领域非常常见,大概因为人像是最容易上手的了,熟练几个场景、几个构图,再套几个万用预设,片子都不会差到哪去。尤其是几个胶片预设,顿时让你的照片逼格大增。然后突然有一天想换题材了,拍风景了,扫街了,静物了,那么发出来的图可能会让人大跌眼镜。




然而这恐怕是摄影师最糟糕的起步方式了。很多人满足于此,止步于此,也就终结于此。




因为这种速成的摄影师,缺的可能不是技术,而是审美。




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审美不一定是与生俱来的某种天赋,而更多是在后天形成的对“优”“劣”的一种评价系统。对某一领域了解越全面,那么这个人对该领域的审美水平也会相应的更高。




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就像男人分不清各种小裙子之间有啥区别,女人分不清不同车之间有啥区别一样的道理。我们无法正确评价自己不了解的东西。








所以,你需要全面的知识来提升审美。(这个观点不一定全面,但是肯定错不了)








譬如说,大家都知道海螺壳人像拍的好。




  作者:海螺壳 




但是他的纪实绝对不弱




 作者:海螺壳 




可能我们很难要求每个人都精通各个领域的创作,但是一个具有一定审美水平的摄影师,也就有了一套全面的评价体系,也会知道自己的努力方向,也会知道自己需要什么样的技术,该怎么学。那么再重复那句老话:




技术决定下限,




审美决定上限。




技术可以有限地提升照片的效果,但是审美决定了照片的高度。




你可以用一大堆技术拍出(拼凑)一个笑话:




  迷之洪水 
  迷之土里钻出个自带光晕的肌肉裸男 




也可以用最基本的手法拍出一个经典:




  




作者:SassyAssLilBich








 4. 从糖水到大片,你需要做什么?




倘若你已经察觉到自己的瓶颈期了,或许更让你困惑的是“如何突破?”








首先,我们需要认识自己。




不管用什么方式创作,摄影师永远是在讲“自己的故事”,摄影和许多其他形式的艺术一样,创作过程往往是一个自我认识和发掘的过程。




  作者:Austin! 




尝试着问自己“你是个什么样的人?”“你现阶段的困难是什么?”“你有什么希望?”“你有什么疑惑?”




这些问题的答案,或许可以作为你创作的基调和情绪,你也可以通过拍摄来寻找答案或提出疑问。




例如,笔者拍摄的情绪永远是“安静”和“矛盾”,因为笔者就是一个喜欢安安静静地纠结问题的人。








  作者:Terry-F




又例如,我会尝试将我对生活环境的态度代入作品:一望无际的城市,坏天气,密集的建筑,构成了城市在我心中的印象,站得高却看不远。破碎成鸟群逃离城市的概念源自一个我所期望的解决方法,一个无奈并且绝望的解决方法。(鸟儿在我的想法里,并不代表自由或者希望,而往往是象征了囚禁、绝望或者反衬孤独)




  作者:Terry-F




而这些思考方式,每个人都可以去尝试,都可以做到。








其次, 我们需要睁开眼睛看世界




一个人的世界是非常狭窄的。我们生活的小圈子能给我们提供的知识也非常有限。




千万不要拘泥于自己喜欢的那几张照片、几种风格,广泛阅读和浏览才能提升你对摄影的认识。




对于那些看过很多图,读过很多书之后还是很狭隘很迂腐,那么建议找名医杨斯顿来为他们治疗一下,疏通一下筋脉就完美了。




  




再次,你需要有能力去向别人学习




很多年前,我认识的一个前辈,学英语练听力的时候非常刻苦,走到哪都带着复读机。吃饭的时候在听,散步的时候在听,上厕所的时候在听,洗衣服的时候都在听。后来听了一年多,听力考的一塌糊涂。我问她你听了那么多,都听得懂么?她说,都听不懂。




  




和练习听力一个道理,如果看了很多图,但没动脑子,也是白搭。




那么这里就让我们来试着思考一下前文使用的一张图例吧:




  从画面上而言。模特的目光格外犀利,这一感觉不仅是依赖妆面,光影造型以及模特本身的素质达成的,而且挡在嘴巴前面的蝴蝶也同时挡住了人表达情感的重要途径,于是所有情感都转移到眼睛,由此传递给观众。增加了蝴蝶,其实是为了减少干扰。形式上的“失语”转化为情感上更深的沟通。 




除了形式上对拍摄手法的分析以外,更重要的是对其内涵的思索。




此时不妨让我们再来看另一幅作品:




作者:Nicole Wells








这两幅作品的名字都是“Silence”(无声)。两者都是人物肖像;都用某种方法让人物的嘴变得不可见,进而传达出“无声”的主题。




那么作业来啦:




请问两者对“无声”的理解有何不同?演绎手法有何不同?对你产生的触动有何不同?




思考和自我提问是最好的学习和欣赏作品的方法。也可以将类似的风格、题材以及创作手法的作品归类比较,这样也会有新的收获。对上面的问题,心里给自己一个答案就好,我也不想用我的理解来误导大家。但是建议大家在看到其他优质作品的时候,也和自己玩一玩这个自问自答的游戏。




可能一开始,你会觉得提问和回答都很困难,但是经过一段时间练习,相信你会将这些过程变成条件反射,欣赏水平也就相应地提高了。至少,看了这么多好照片和坏照片之后,我们的发问不再是“妹子好看与否?”“拍摄参数多少?”“后期怎么调色?”这样的问题了。




当你的积累足够多的时候,你就逐渐能够将经常拍摄的题材或者内容赋予意义。例如有很多摄影师拍摄爬楼的图片,但大多数都停留在“装逼”“好看”这个层面,而blackstation这一张就成功地让人物和城市产生了沟通,进而讲述了故事。这也是摄影师从量变到质变的一个很好的案例。




 作者:BlackStation








所以让我们静下心来,借此机会多看一些大片吧。




  作者:Magdalena Russocka
  作者:Faizal Besari




作者:Bettina Tautzenberger




作者:Daniel Alonso








正是这样的作品才能直击心灵,生命力也更强。人物好看与否,画面明亮与否等等这些流行元素对它来说并不重要,潮流也无法动摇它的价值。这个价值不仅仅是照片的,也是摄影师的价值。




或许你现在就面临一个选择了:是拍一卡车的糖水,随后被时代淘汰,还是努力去追求更高的价值呢?




  














陪家人,江边阅!

春雨沁心花摇曳

2016年,我最难忘的一张旅行照片

赞叹

Thomas看看世界:

一张难忘的照片,更多的是在不断探索的道路上,那些难忘的经历和见闻。



《冰河之梦》


拍摄于巴基斯坦和中国xinjiang交界处,喀喇昆仑山脉深处的一处冰川河流旁。图片前景冰河和背景星空分开拍摄。前景拍摄于晚上7:23太阳落山之后,ISO200,f11,曝光116秒。在天全黑之前拍摄星空前景,可以保证高质量的前景。使用了ND1000减光镜,完全雾化水流细节。


星空拍摄于晚上8:17天完全暗下来之后,ISO800,f5.6,曝光30秒。后期使用亮度蒙版结合笔刷合成两张曝光。


一张照片的成品仅仅是最后的成就感而已。更重要的,是不断探索的道路上,那些难忘的经历和见闻。




下面是这张图的拍摄故事和花絮:

颠簸两天,我和5位队友,沿着中国援建的喀喇昆仑公路从伊斯兰堡坐车到斯卡杜。这条中巴友谊之路很震撼,很多地方一边是险峻的峭壁,一边是奔腾的河流。崇山峻岭中滑坡落石很严重,修路过程中牺牲了600多人,向他们致敬!


当然一路上也亲身体会到了巴铁对中国人的热情。 各种巴铁人民热情的招呼款待,还有武装警察轮流护送的待遇,上厕所都跟着我们。




下了喀喇昆仑公路之后,还有很长很险的山路。


Gopro实拍,路超级窄!车里能一眼看到几百米下的谷底,大家可以自行脑补坐在上面的感受。。。



司机一边开车,一边放着劲爆的巴基斯坦版“最炫民族风”,真的很刺激好吗(⊙o⊙)!!!视频可见:https://v.qq.com/x/page/b0372vqc8w2.html


这次路上遇见了张梁一行来攀登K2和加I峰,张梁先生已经完成了12座8000米攀登,现在最有希望完成14+7+2(攀登所有14座8000米雪山+登上7大洲最高峰+徒步南北极点)的逆天挑战。



徒步时护卫我们的兵爷爷,提着大家路餐的西红柿。。



刚开始徒步是在山谷里,天气炎热,植被荒芜。



后面来到了冰川旁边,景色非常壮观。冰河冰河,真的是像一条河一样蜿蜒而下。



后面直接就在冰川上走了!




大部分冰川都是被黄灰色的乱石覆盖,只有小部分露出了白中透蓝的本色。



山路虽然看着很是艰险,但这里却是一条异常繁忙的道路。每年5-9月,大量的国外登山者、徒步者进入这片山区,给这片绝美却贫瘠的土地带来短暂的繁荣。图为路上往返运送补给的马队。



下图河流从我们脚下的冰川直接穿过。



大部分冰川都是被乱石覆盖,所以并不需要冰爪之类的专业工具。即便是裸露的白色冰川,上面也是坑坑洼洼,比较好走。



一路上还跨过了大大小小的各种冰裂缝。有的是绕过去,有的是找卡住的石头走过去,更多窄的裂缝都是直接跳跃跨过。


很多缝深不见底,丢块石头下去,十秒多了还在霹雳啪啦作响。所以刚开始跳的时候,心理压力很大。到后来,,,就习惯了!



登山界非常著名的川口塔群峰,山型之俊俏,我知道的只有巴塔哥尼亚和多洛米第可以媲美,但是这里的山峰都是6000米级的!




近看川口无名峰,攀登高手的终极目标之一。



日出时分的风景。



日落时刻我们的营地。



很难想象到,在这四五千米高的无人qu,还有大量兵ying的存在。外星堡垒一样的帐篷,满地堆积的汽油桶,让人感觉穿越到了异星殖民地。



这是我们住的帐篷,白天看起来有点荒凉。。真的是鸟都不拉屎的地方!



不过晚上摇身一变,升级为10星级超豪华酒店,冰川做床,雪山为被!仰望星空,畅谈人生!



徒步的尽头,世界第二高峰 K2,中文是乔戈里峰。位于中巴交界处,后面就是新疆克勒青河谷。



很多职业登山家的目标,不是比较商业化的珠峰,而是这座金字塔形状,气候多变,死亡率奇高,8611米的世界老二。



在这里我们发现了一处冰河大拐弯,冰川融水从这里绕个圈,砸进了一个幽深的冰洞。背景雪山是Broad Peak,正如名字那样,山顶很宽广的一座8000米级山峰。



我们在大拐弯附近拍摄探索,发现冰壁下面有一处小河滩。



为了下到谷底拍摄冰河星空,我们在向导的帮助下,把绳子绑在几块巨石上。



我们的徒步向导曾经攀登过8000多米的加舒尔布鲁姆II峰,技术过人。



冰川下面的场景,两边都是光滑的大冰壁,只有这一小块空地。



晚上银河升起,还有英仙座流星雨。



下面这张图的5张RAW文件,我是分享出来了的,给大家用来星空堆栈调色练习。。。关注我的公号thomaskksj,在后台回复“下载”即可。



最喜欢的照片《冰河之梦》,比起银河那几张的壮观,更喜欢这张幽静清冷的氛围。





关注@Thomas看看世界,每周学会一个摄影技能。


 

如何拍出照片的层次立体感 - 浅谈摄影中空间感的构建

Thomas看看世界:

世界是三维的,照片却是二维的。要在一个平面上表现出三维世界的立体层次,需要摄影师从绘画理论中,汲取空间纵深感的表达手法。


本文将依次讲解遮挡、纵透视、线性透视、空气感等,几种摄影中常见的空间表现方式。为了更好的阐述理论,托马斯得到了几位一流户外风光摄影师的允许,在文中使用他们的视觉大片作为例子,在此感谢。


《燃烧》,作者:曼联,manunited.tuchong.com



1. 遮挡与纵透视

假设下面这张简化示例图,是我拍摄的一张照片。如果我告诉你右边绿色的山峰,实际在更远的地方,你很可能会觉得莫名其妙。


这就是一张典型的缺乏层次感的照片,如果我们不在前期构图时采取一些措施,就很可能拍出这种很平的照片。





那么有哪些手法可以表达空间感呢?


第一种方法非常的简单,叫做“遮挡”。也就是用一个物体遮住另外一个物体。这样读者就会明白,那个被挡住的、轮廓和整体不完整的物体,一定是在更靠后的位置。


例如上面的情况,我可以往左边走个几公里,此时红色的山把绿色的山给挡住了。这样我拍出来的照片,山之间的层次关系就很明显了。



在长焦摄影中,由于后面会讲的线性透视效应很不明显,因此遮挡就成了表达空间纵深的关键手法。


《雪山幻境》,作者:Thomas看看世界,thomaskksj.tuchong.com


上面这张长焦雪山照片,就是非常典型的通过“层层遮挡”来表达空间关系的例子。1标识的岩石,挡住了2处的云雾,云雾又遮住了3处的雪山,雪山又把背后蓝天遮挡。岩石、云雾、雪山、蓝天,通过层层递进、互相遮挡的方法,前后关系非常清晰。



再比如下面这张200mm镜头拍摄的远景,冰川、碎石和人物、云雾以及雪山的纵深,也是通过遮挡(以及后面会讲的空气感),来进行表达的。


《喀喇昆仑背夫》,作者:汗斯,tuchong.com/502209/


除了遮挡,在古典绘画中,画家还常用纵透视的形式,来表达层次感。


所谓纵透视,就是近的放在画面低处,远的放在画面高处。在摄影中,要拍出纵透视效果很简单,只需登上高处,提升机位即可。


比如前面的情况,我可以爬到山上,或者放飞无人机,这样拍到的画面,红山在下,绿山在上,也会让读者理解这两座山的前后顺序。



比如下面这张圣托里尼的教堂和远处的小岛,就使用了纵透视。通过较高机位带来的景物纵向分布,来增加空间感。


《黄昏的浪漫》,作者:托马斯,thomaskksj.tuchong.com


当然,既然遮挡和纵透视都可以表达空间感,如果我们把这两者结合起来,照片的三维顺序就更加明白无误了。



例如下图,蓝冰、黑色冰川、薄雾、远山和天空从下到上纵深排列,同时层层遮挡,虽然是平面的图像,我们也可以从纵透视和遮挡关系中,看出场景的立体空间感。


《远山》,作者:托马斯,thomaskksj.tuchong.com


遮挡和纵透视都可以通过前期改变相机机位的方法来实现,摄影师在构图时不妨多加思考。


例如要拍摄一片森林和后面的小山,如果我们在平地拍摄,低机位造成了物体互相遮挡,体现了一定前后关系,但纵深感表现不足。



如果我们登上山顶高处,这样森林和山峰拍出来一上一下,纵深关系有了,但完全分离的景物,空间感还是差了一点。



最好的拍摄机位,可能是在半山腰不高不低的地方,既拍出了遮挡,又体现了纵透视,森林和小山的层次感提升了一个档次。



摄影中,并不是机位越低或者越高就更好的。恰到好处的构图,同时利用多种空间表现手法提升层次感,考验了摄影师的前期功力。


再来仔细对比观察一下下图,或许你就能理解摄影以及绘画中,遮挡和纵透视的精妙效果了。




2. 线性透视

在文艺复兴之后的西方艺术中,线性透视在绘画里大量的被应用,直接导致国外摄影师在拍摄时,很喜欢用大广角构图,突出线性透视的方式来表达空间层次。


线性透视,简而言之讲就是“近大远小”,原本平行的线条,在向远方延伸时会不断的会聚,直到在灭点处汇合成一个小点。



在摄影中,我们常用汇聚线、重复缩小以及夸张前景这3种方式,利用镜头(特别是广角镜头)来突出线性透视下的前中后景层次。



2.1 汇聚线

汇聚线的拍摄,就是要利用场景中向远方延伸会聚的线性物体,来突出空间感。


例如下面这张大白天顺光拍摄的图片,虽然光影立体感不强,但是这条向远方不断延伸会聚的小路,却给照片带来了纵深感。


《慕尼黑的春天》,作者:托马斯,thomaskksj.tuchong.com


道路,河流,桥等等,都是天然的汇聚线,在前期构图时取入他们,不仅可以拍出引导线,还能极大的提高照片的层次感。


《风暴》,作者:曼联,manunited.tuchong.com


有时这些汇聚线并不明显,需要摄影师用心发现。比如你能看出下图中用到的汇聚线吗?


《万壑奔流》,作者:JOYOU'S EYES,joyou.tuchong.com


摄影师巧妙的利用天然的礁石和水流,拍出了一根根汇聚线,既引导视线到了远方的岩石和落日,又利用线性透视,表达出了三维空间感。




2.2 重复缩小

线性透视的一大表现,就是近大远小。因此如果我们在构图的时候,特别是广角拍摄前景时,如果能发现一些重复的物体。那么这些重复的物体,会在画面中,由近到远的不断缩小,就可以表现出空间感了。


例如下图,摄影师在构图时取入了一大片鲁冰花,这些原本差不多的花,在画面中却是不断变小的,这样读者就能感受到这个不断向远方延伸的三维空间。


《山花似海》,作者:Pan Weihao,panweihao.tuchong.com


下面这张图,前后景的实际距离不过十来米,但是在广角的作用下。重复的正方形鸟居,不断的变小,这样我用重复缩小的方法,结合鸟居的互相遮挡以及小路的汇聚线效果,很好的体现出了照片的空间感。


《京都鸟居》,作者:Thomas看看世界,thomaskksj.tuchong.com


只要善于发现,自然和生活场景中,有很多不断重复的物体。在前景中加以利用,空间感自然而然的就表现了出来。


《踏浪寻梅》,作者:JOYOU'S EYES,joyou.tuchong.com



2.3 夸张前景

在摄影中,摄影师常常采用低角度、接近拍摄的方式,利用近大远小的线性透视,夸张的表现前景物体大小,从而让观众理解物体间的前后关系。


比如下图,低角度拍出来的前景礁石,竟然比画面右上角的人还大。这种错位的大小关系,让读者立马就理解了他们的前后空间顺序。


《巨人之路》,作者:托马斯,thomaskksj.tuchong.com


夸张前景的关键,是要找到原来相对较小的物体,在画面中表现得和背景中原本较大的物体更大或者差不多大。通过画面表现和人类认知的错位关系,才能体现出透视空间感。


例如下图,我只是左边画几个圆,右边画一些小的椭圆。你是不可能从这种简单的几何形状大小中,找出他们的空间关系的。只有我告诉你(或者你看出来)左边是石头,右边是三个小人,你才会感受到这种关系。



如果你的照片中,建筑很大,汽车很小,符合人类的认知,那么这种关系是很难让人看出他们的前后距离的。


只有如下图一样,帐篷、雪山、银河这些大小千差万别的物体,在画面中却表现出差不多甚至相反的大小比例时,人们才能认知出他们的空间前后顺序。


《冰川之夜》,作者:托马斯,thomaskksj.tuchong.com



3. 空气感

在绘画中,画家也常常使用一种叫做空气感的东西来表达层次。比如近处的物体会画的清晰、鲜艳、锐利一些,远处的物体,会画的朦胧、淡雅、模糊一些。


在前期拍摄时,我们可以利用空气中自然的颗粒(比如清晨的雾气、中午山间的水汽、城市的雾霾等等),自然而然的拍出空气感。


《迷幻雷尼尔》,作者:史炎冰,tuchong.com/408037/


在后期中,我们也常常对远处的景物进行减清晰度、经典柔化、高斯模糊甚至后期添加云雾的方式,来营造空气感,从而增加照片的层次立体表现力。


《雪山月色》,作者:托马斯,thomaskksj.tuchong.com

总结

1. 摄影师在合理的构图角度,可以利用遮挡和纵透视来突出层次感。


2. 我们可以汇聚线、重复缩小以及夸张前景这3种方式,利用线性透视的原理来表达空间感。


3. 近处清晰鲜艳,远处模糊暗淡的空气感,也是摄影中常见的前后纵深表达手法。



练习

一张层次分明、三维立体的照片,往往会使用上面提到的多个空间表现手法,你能在评论区,说出下面3张照片都利用了哪些方法吗?



1.《轻舟已过万重山》,作者:史飞,shifei.tuchong.com



2.《晨光中的蒲甘》,作者:托马斯,thomaskksj.tuchong.com



3.《夏特古道》,作者:曼联,manunited.tuchong.com




欢迎关注@Thomas看看世界,每个周日,学会一个摄影技能。





本文知识点,节选自我的知乎分享《摄影构图:美,也有方法论》,点击https://www.zhihu.com/lives/794529410060541952,可以学习全部内容。

三步降噪法,打造完美照片

Thomas看看世界:

拍摄照片,噪点总是无法避免。除了前期使用更好的相机、充分曝光、多张堆栈等等,后期的时候,我们也可以利用软件对照片进行降噪。


今天分享的“三步降噪法”,可以在尽量保留细节的情况下,对照片进行比较精细的降噪。


照片中的噪点一共分为两类:颜色噪点和明亮度噪点。


颜色噪点,指的是照片中本来单纯的色彩区域,出现的五颜六色的杂色块。比如下图中,原本灰白色的云海中,有大量的红绿蓝色的色斑。



明亮度噪点,指的是照片中本来亮度一致的地方,出现的斑斑点点、亮度不一的灰色颗粒。比如下图原本应该很柔顺的云海,里面却是各种嘈杂的颗粒。



降噪,属于修补前期的“错误”,一定要在后期处理的一开始就进行。


因为各种降噪算法,在未经任何处理的原片上,识别噪点的准确度最高。如果经过各种锐化、提亮、加强细节处理之后再降噪,噪点已经被强化,细节也是被污染,就难以分辨这到底是细节,还是噪点了。


下图是一个比较夸张的例子,我在使用详细提取、色调对比、以及锐化之后,再想用Dfine 2插件降噪。此时噪点已经强化的非常厉害,专业的降噪软件也无能为力了。



我在不断的后期研究和实践中,特别是学习了Jeff Wu老师《野性之美:野生动物摄影手记》书中谈到的两套杰夫流程之后,慢慢的形成了一套比较固定的后期降噪方法,因为一共分三个步骤,所以这里称为“三步降噪法”。



1. Lightroom/ACR全局降噪

前面说过,降噪要在后期的一开始进行。


由于ACR和Lightroom中,软件内部的运算顺序是固定的,和我们的操作顺序无关。(也就是说,无论我们在软件面板中是先锐化后降噪,还是先降噪后锐化,渲染图片的时候Lightroom总是会先运算降噪,再计算锐化。)


而且提亮阴影、加强清晰度等Raw操作,会让一些噪点更加明显,所以降噪最好在这些步骤之后进行。


因此第一步全局降噪,一般放在Raw处理的最后进行。


ACR和Lightroom中的降噪工具,在细节面板中。打开细节面板,会发现软件默认已经进行了强度为25的颜色降噪。



“颜色”滑块控制了颜色降噪的强度。如果我们把颜色滑块减少到0,会发现五彩斑斓的颜色噪点非常明显。



默认的25数值,适用于95%以上的图片。



如果我们把“颜色”数值提高的100,会发现方框中的一些细微颜色,全部被抹平了。因此颜色降噪的强度并不是越高越好,一般25-35之间足以。



“颜色细节”滑块,控制了颜色降噪运算的阈值,默认数值50适用于大部分情况。增加“颜色细节”数值,颜色降噪的阈值提高,更多细节会被保留,当然不少噪点也会成为漏网之鱼。



降噪的原理,是在噪点周围采样,进行平均和模糊。“颜色平滑度”滑块,就控制了颜色降噪运算时平均程度,默认的50数值也是大部分情况的最佳预设。比如这张照片,如果我把“颜色平滑度”滑块从默认50左拉到0,你会发现降噪的结果不够平滑均匀,还是红一坨青一块的。



“明亮度”滑块,控制了明亮度降噪的强度。



“明亮度”滑块默认是0。一般要适当的提高数值。



假如右拉滑块到100,我们会发现整个照片噪点是没有了,但是已经模糊的跟水彩画似的。



这张照片,“明亮度”滑块调整到30左右比较合适。



为什么是30呢?


因为这是三步降噪法的第一步,我们的目的是给整张照片一个基础的降噪。


所以这步的核心,就是要保留照片中最微小的细节。


因此在调整“明亮度”滑块的时候,我们可以放大图片到100%甚至200%,观察照片中的一些微小细节,比如暗淡的星星,人物的毛发,远处的纹理等等。


这张照片,我观察的是红框处,远处摩天大厦的玻璃窗边缘。如果降噪过度,这些摩天大楼的玻璃细节,就糊成一团了。在强度30左右的时候,这些细节任然还在,同时照片得到了一定的降噪。



下面的“明亮度细节”以及“明亮度对比”滑块,和“颜色细节”、“颜色平滑度”非常的类似,一般我也是保持在默认的50和0这两个数值。


第一步,ACR或者Lightroom中对Raw文件的降噪,其核心,是要在降噪的同时,保留住照片中最小的细节。


因此这张图片的天空和水面,噪点依然明显,需要在后面进行进一步的局部降噪。



2. Nik Dfine 2局部降噪

第二步降噪,我们使用专业免费的插件 - Nik Dfine 2。关于如何下载这个插件,以及Dfine 2的详细说明,可以参考我以前的教程《比PS更好用的降噪神器 - Nik Dfine 插件》


这里菜单栏点击“滤镜 -- Nik Collection -- Dfine 2”打开Dfine降噪插件。



Dfine插件会自动分析照片,然后进行降噪。



这张照片我觉得云层中的对比度噪点(明亮度噪点)还是比较明显,所以把“对比度噪点”的强度从100%提高到了130%。



上面说过,这一步的降噪,主要是针对天空、水面等噪点比较明显的区域。而建筑等细节丰富的地方,降噪工作在第一步全局降噪就完成了。


因此我们需要使用蒙版(或者Nik Dfine插件中的控制点),把降噪限制在天空和水面区域。(对于蒙版,不清楚的同学请参考《PS的基石 - 图层与蒙板》



第二步降噪,是局部降噪,主要针对天空、水面、墙壁等大块纯色、噪点会比较明显的区域。



3. 蒙版抑制噪点再生和输出降噪

经过ACR的全局降噪,和Dfine2的局部降噪,照片的降噪工作基本完成,之后的主要任务,是不让噪点重新显现出来。


在进行细节提取、色调对比、暗部提亮、增加质感、锐化等等后期操作时,会凸显出很多原来不可见的噪点。因此在做这些步骤时,一定要结合蒙版等局部工具,不让他们影响到天空等纯净部分。


比如下图,经过细节强化、锐化等后期处理,天空中的噪点又比较明显了。



因此我建立了一个亮度蒙版,把上述操作局限在建筑的亮部细节中。这样建筑的暗部,以及天空水面,就不会受到影响,增加噪点。




如果这些操作,必须施加在天空水面上。那么我们在最后输出照片前,还可以再做一个局部的输出降噪。



配合蒙版的白色部分,输出降噪主要应用在大片纯色区域,使得天空水面的噪点在成片中不明显。同时蒙版的黑色部分,使得输出降噪没有(或者很少)应用在细节多的建筑上。



以上就是“三步降噪法”的全部步骤,从全局到局部,甚至不同局部用不同的降噪强度,适用于需要精细处理的照片。普通的旅游图片,一般直接ACR或者Dfine一步降噪即可。



总结

1. 噪点分颜色噪点和明亮度噪点,降噪要在后期的一开始进行。


2. 三步降噪法的第一步,是在Camera Raw处理的最后,用细节面板进行初步降噪。一般只提高“明亮度”滑块即可,其他保持默认。这步的核心是要观察照片中的微小细节,保证最小细节不被降噪抹去。


3. 三步降噪法的第二步,是在Photoshop中,使用Nik Dfine2插件降噪,同时配合蒙版或者控制点,把降噪局限在天空、水面、前景等噪点更明显的区域。


4. 三步降噪法的第三步,是在后期锐化、细节提取、对比强化等过程中,使用蒙版对纯净区域进行保护。或者在输出前,再对噪点过多的地方局部降噪。




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